Cher y Christina Aguilera preestrenan hoy "Burlesque" en Madrid

El preestreno de su nueva película, el debut en el cine de Aguilera, será esta noche en la capital española

"Burlesque" se estrenará en España el próximo 17 de diciembre, pero hoy se preestrena en Madrid con dos invitadas de lujo, sus protagonistas. En la película, Christina Aguilera interpreta a Ali, una camarera que logra colarse en un nightclub dirigido por Tess (Cher).


El salón Burlesque no pasa por su mejor momento. Tess, una bailarina retirada y propietaria del local, lucha por mantener vivo el teatro haciendo frente a todo tipo de dificultades financieras y artísticas. Con la amenaza de que un hombre de negocios rico pueda comprar el terreno de Tess, la suerte parece haber abandonado el club por completo. Por otro lado tenemos a Ali, una chica de pueblo de Iowa cuya vida está a punto de cambiar drásticamente cuando es contratada por Tess como camarera.

"Burlesque" se grabó el año pasado bajo la dirección de Steve Antin y supone el salto a la gran pantalla de la cantante Christina Aguilera, quien ya ha colaborado en varias bandas sonoras pero jamás ha ejercido de actriz.

Por su parte, Cher asistirá este viernes 10 de diciembre al Palacio de Deportes de Madrid, donde recibirá un premio honorífico de la mano de Los 40 Principales en el marco de sus Premios 40 Principales.

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R. Kelly se pone romántico en su nuevo disco

El cantante de R&B edita su nuevo trabajo de estudio el próximo 14 de diciembre, inspirado en las leyendas del soul y titulado "Love Letter"

"Love Letter" incluye 15 canciones y ha sido producido por el propio R. Kelly. Además, contiene la canción que él mismo compuso para Michael Jackson, titulada 'You Are Not Alone'.

La portada del disco ya se puede ver en la Red. En ella aparece Kelly transformado en todo un cantante de soul. La foto además nos recuerda a la época dorada de la música negra. Y es que el cantante declaró hace tiempo que para este trabajo se había inspirado en Marvin Gaye, Donny Hathaway, Michael Jackson, Sam Cooke y Stevie Wonder.

El último trabajo de R. Kelly se editó el pasado mes de septiembre y fue una colección de sus baladas más épicas, y con cinco nuevos temas.

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Gorillaz continúan llenando la cesta navideña de regalos musicales

En este caso, el líder de la banda ha anunciado que el próximo 25 de diciembre se podrá descargar gratuitamente a través de la Red lo nuevo del grupo virtual

Damon Albarn llevaba semanas comentando que estaba enclaustrado en su estudio trabajando en el nuevo material de la banda, y finalmente nos llega gracias a su web la noticia de que el nuevo disco está terminado y adelanta que a finales de este mes se podrá descargar completamente gratis.

La semana pasada os anunciábamos que ya os podíais descargar el calendario navideño de Gorillaz, en el que cada día nos regalarían una sorpresa digital. Pues bien, el próximo 24 de diciembre os podréis descargar el primer single promocional del disco, y al día siguiente, el trabajo completo, que se grabó durante la última gira que la banda dio por Estados Unidos.

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mariana

La mitad de la noche estará compuesta por canciones muy populares de Vinicius, como Garota de Ipanema, A Felicidade, Água de beber o Chega de Saudade. La otra mitad "explorará cosas de mi abuelo que la gente no conoce", especifica la artista.

Mariana decidió interpretar las canciones de su abuelo sin mayores cambios, muy por el estilo clásico: "Son canciones muy perfectas, en medio de lo simples, por lo que no se pueden cambiar; si hay algo actual es el sentimiento con el que se cantan". el tiempo

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vinicius

"Nosotros cantábamos juntos solamente en casa y él se mostraba orgulloso de que yo cantara; un día fui a verlo a un famoso teatro, y me dijo que subiera. Fue algo maravilloso", cuenta la artista, quien estará en Colombia hoy, en concierto, en el auditorio Fabio Lozano, de la Universidad Jorge Tadeo Lozano.

Aunque Mariana ha hecho carrera en el bossa nova con sus propias canciones -e incluso, comenzó como actriz, durante su adolescencia-, ha dedicado los últimos años a rendirle tributo a Vinicius, interpretando sus clásicos. el tiempo

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Vinicius, cantado por su nieta

Toda la escena de los grandes músicos del Brasil, pasando por Gilberto Gil, Maria Bethania, Toquinho o Caetano Veloso, ha encontrado en las canciones de Vinicius de Moraes su más plena inspiración. Pero el compositor es aun más recordado como ese generoso bohemio que era "el mejor amigo de sus amigos". Por eso, su nieta Mariana dice que ella se hizo artista a los 8 años, un día en que su abuelo la invitó al escenario, en París: la convirtió en otro de sus grandes compadres. el tiempo

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reina del soul

El silencio, sin embargo, no ha desanimado a sus fanáticos, sobre todo los de su ciudad de adopción, Detroit (Michigan), donde la "reina del soul" vive desde pequeña.

Ayer, residentes y líderes de la comunidad, con la consejera del ayuntamiento JoAnn Watson, se reunieron en el centro de la ciudad para rezar juntos por la salud de Franklin. el tiempo

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Barbecue Bob

Barbecue Bob (11 de septiembre de 1902 - 21 de octubre de 1931), cuyo nombre real era Robert Hicks, fue un músico de blues estadounidense.
Nacido en Walnut Grove, Georgia, comenzó tocando la guitarra de seis cuerdas pero escogió posteriormente la de doce cuerdas al trasladarse a Atlanta en los años 1923-1924. Se convirtió en un intérprete destacado del, reciente por entonces, estilo Atlanta Blues; durante su corta carrera musical realizó grabaciones en discos de 68 y 78 rpm. Falleció en Lithonia, Georgia, en 1931.
Su hermano mayor, Charles, también tocó blues realizando sus grabaciones bajo el nombre de Laughing Charley Lincoln. wikipedia

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Pink Anderson

Pink Anderson, cuyo nombre completo era Pinkney Anderson (Laurens, Carolina del Sur, 12 de febrero de 1900–Spartanburg, Carolina del Sur,12 de octubre de 1974) fue un cantante y guitarrista de blues estadounidense.
Comenzó a tocar blues a los catorce años en espectáculos ambulantes organizados por charlatanes que se decían médicos. Estaría con el "doctor" Kerr hasta 1945 cantando canciones populares y contando chistes para atraer "pacientes". Al mismo tiempo tocaba blues con Simmie Dooley, un cantante ciego que conoció en 1916 y que lo trataba con crueldad. No obstante con él pudo grabar por primera vez, en Atlanta, un disco de dos canciones a finales de los años veinte. Volvería a grabar treinta años después.
Hasta 1957 tocó formando parte de un trío tradicional (guitarra acústica, tabla de lavar y armónica). Apareció en la película The Bluesman de 1963. Pero poca gente sabía que era un músico importante y murió en la miseria en 1974.
Syd Barrett había unido su nombre con el de Floyd Council para formar el nombre de la banda de rock Pink Floyd. wikipedia

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Alger "Texas" Alexander

Alger "Texas" Alexander (12 de septiembre de 1900 - 16 de abril de 1954) fue un cantante de blues estadounidense nacido en Jewett, Texas.
Fue un hombre de baja estatura con una gran y profunda voz, iniciando su carrera musical en las calles, fiestas locales y picnics de las zonas bajas de Brazos River, donde trabajó con Blind Lemon Jefferson. En 1927 realizó sus primeras grabaciones, las cuales continuaron en la década de 1930; en este periodo realizó grabaciones para las discográficas Okeh Records y Vocalion Records en las ciudades de Nueva York, San Antonio y Fort Worth.
Alexander no tocaba ningún instrumento musical pero trabajó a lo largo de los años con músicos como King Oliver, Eddie Lang, Lonnie Johnson, Mississippi Sheiks y su primo Lightnin' Hopkins; así mismo, solía cantar en los ritmos libres de las canciones de trabajo.
En 1939, Alexander asesinó a su mujer, siendo condenado a cinco años de prisión en la penitenciaria de Paris, Texas, desde 1940 hasta 1945. Tras cumplir su condena, volvió a las interpretaciones y grabaciones hasta su fallecimiento por sífilis en 1954. wikipedia

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Regreso a Paraguay de Pio barrios

Luego de 12 años, Agustín y su hermano Francisco retornaron al Paraguay que se encontraba en una guerra civil, a pesar de la cual realizó varias presentaciones tanto en Asunción como en el interior. El musicólogo Juan Max Boettner menciona: Lo recuerdo allá por 1922, en una noche de luna en San Bernardino. Él con su guitarra embrujada deleitándonos horas enteras. Su hermano recitaba "Oyendo a Beethoven" y el ejecutaba como música de fondo "Claro de luna" en una adaptación propia.
En enero de 1925 hizo su penúltima presentación en Paraguay, en la Plaza Uruguaya, donde el mismo ayudó a construir el escenario y acarrear las sillas, porque dice cierta gente que no le dejaba el gobierno dar una presentación en el teatro municipal. En esa ocasión presentó su obra El Bohemio. El 25 de febrero de 1925 se alejó definitivamente del Paraguay.
Quienes estuvieron junto a El en el último tramo de su vida afirman que su deseo fue "Nunca volver a Paraguay". Quiso montar un conservatorio, pero no le apoyaron wikipedia

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Pio Barrios

Cuando Agustín Barrios se encontraba en São Paulo, Brasil, El Diario de Asunción, anunció el 13 de septiembre de 1918, su fallecimiento. El artículo decía: En Melo, en la República del Uruguay, le sorprendió la muerte al eximio artista paraguayo, en los primeros días del mes del corriente. Con el alma llena de melodías y repleto el pecho sonoro de su guitarra de toda la música de nuestras selvas y el dolor melancólico y huraño de la raza, se fue por el mundo, como una rapsodia, para decir a los hombres su dulce, su triste canción, hasta que le alcanzó la muerte, como a un pájaro la honda. Tuvieron que pasar más de 30 días para que la noticia fuera desmentida. wikipedia

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Primeras presentaciones de Pio Barrios

Luego de graduarse en el Colegio Nacional de la Capital, en Asunción, comenzó a presentarse en conciertos y a componer. Su primera presentación como solista fue en 1907 en un espectáculo organizado por Sosa Escalante. En 1908 ya era conocido en todo el Paraguay por sus presentaciones con su hermano, el poeta Francisco Martín Barrios. Agustín tocaba la guitarra y Francisco recitaba.
En 1910 Barrios salió por primera vez del país para ofrecer un par de presentaciones en Corrientes (Argentina), y debido al gran éxito que tuvo, aquel regreso planeado para la semana siguiente de los conciertos se pospuso por 12 años. De Corrientes pasó a Buenos Aires y de allí viajó a Uruguay en 1912, Brasil en 1916, y a Chile. Pertenecen a este periodo obras notables como: La Catedral (1921), Estudios y Preludios, Madrigal, Allegro Sinfónico y Las Abejas (1921). La crítica internacional lo calificaba como uno de los más grandes concertistas del mundo y lo llamaban mago de la guitarra. wikipedia

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el jazz progresivamente

Progresivamente, aparte de irse creando esos grupos de músicos negros que actúan de forma autónoma y conjuntada como tales, se van estandarizando algunos estilos o géneros:

• Los field shouters o lamentos de los esclavos expresando la crueldad de sus largas horas de trabajo, a los que luego fueron incorporados algunos instrumentos occidentales y principalmente, el ritmo sincopado africano.
• El blues: asociado a la descripción de un estado emocional desconsolado o marcado por la depresión, aunque no sea intrínsecamente pesimista: expresa problemas relacionados con la pobreza, la emigración, las disputas familiares, la opresión, pero los reconduce con su expresión hacia la experimentación de una catarsis que deriva bien en la resignación, bien en el optimismo. El entorno original del blues es el gueto negro urbano y la granja rural

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Siguiendo la tradición afroamericana

Siguiendo la tradición afroamericana de Nueva Orleans, muchos músicos negros consiguieron ganarse la vida en pequeñas bandas que eran contratadas para tocar en funerales. Estas bandas africanizadas jugaron un papel embrionario en la articulación y diseminación de las formas tempranas del jazz. Viajando a través de las comunidades negras, desde el sur profundo a las grandes ciudades del norte, estos músicos pioneros consiguieron establecer el aullido, la estridencia, el libre desvarió, la "ragedia" (raggedy) y el espíritu del ragtime, dando vida a una más elocuente y sofisticada versión del ritmo. Así las cosas, las formas iniciales del jazz, con sus raíces populares y humildes, fueron básicamente el producto de músicos autodidactas.
El endurecimiento de las leyes ‘Jim Crow’ en Luisiana a finales del XIX (que promovían la segregación racial con el tristemente famoso "iguales pero separados") hizo que muchos músicos afroamericanos fueran expulsados de diversas bandas que mezclaban a blancos y a negros. La habilidad de estos artistas musicalmente formados, capaces de transcribir y leer aquello que en gran parte suponía un arte de improvisación, hizo posible conservar y diseminar sus innovaciones musicales, hecho que cobraría una importancia creciente en la ya cercana época de las grandes bandas. wikipedia

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las bandas de musica en el jazz

Con estos nuevos instrumentos y reuniendo todas las influencias musicales, se formaron las 'marching bands' y las bandas de música bailable de la época, que, a finales del XIX, suponían el formato habitual en lo que a conciertos de música popular se refiere. Los instrumentos de este tipo de grupos se convirtieron así en los instrumentos básicos del jazz: la corneta, el trombón, los 'reeds' o 'instrumentos de lengüeta' como el clarinete, y la batería.
Los músicos negros solían utilizar la melodía, la estructura y el ritmo de las marchas como punto de salida. Sin embargo, en el proyecto de la Dotación Nacional para las Humanidades ("Norte por Sur, de Charleston a Harlem") se dice: "(…) un espíritu negro, relacionado con el ritmo y la melodía, emergía desde los confines de la tradición musical europea, aun a pesar de que los intérpretes utilizaban instrumentos europeos. El gusto afroamericano por diversificar las melodías y remodelar los ritmos supuso la base de la que surgirían después muchos de los más grandes intérpretes del jazz." wikipedia

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Bandas del Centro, Sur y otras regiones

Existen instrumentos de viento de metal en el estado de Oaxaca que datan de 1850. El repertorio de las bandas de Morelos, Guerrero, Oaxaca, Chiapas y Michoacán cubrían gusto, son, vinuet, piezas y marchas fúnebres, danzon, vals, corrido, pasos dobles, marchas, polkas, rancheras, alabanzas and foxes.
La banda de vientos que toca jaranas yucatecas usa los siguientes instrumentos: clarinete, saxofón tenor, saxofón barítono, trompeta, trombón, timbal, tambor redoblante, bombo, platillos, güiro.

La banda de vientos oaxaqueña utiliza gran cantidad de saxofones y clarinetes, menor cantidad de trompetas y trombones de vara, y el bombo y los platillos se tocan aparte.
Una de las bandas más antiguas registradas en México es la Banda Tlayacapan del estado de Morelos que fue fundada apróximadamente en 1870, siendo una de las primeras en interpretar la danza del Chinelo.
El tamborazo zacatecano no utiliza tuba, siendo la tambora el instrumento que lleva el tono bajo. En Zacatecas también se toca banda estilo sinaloense.

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Bandas de viento de México

Las bandas de viento de México son ensambles musicales en que se ejecutan instrumentos de viento, en su mayoría metales, y percusión. La Banda esta un tipo de Polka desde Mexico.
Su historia en México data desde mediados del siglo XIX con la llegada de instrumentos de metal de pistones, cuando las comunidades trataron de imitar las bandas militares. Las primeras bandas se formaron en el sur y centro de México. En cada poblado de los distintos territorios hay cierto tipo de banda o combo de vientos, ya sea tradicionales, particulares o municipales. El tamborazo zacatecano es un ejemplo. wikipedia

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Son de mariachi

El son de mariachi es una forma musical del mariachi. Es un arreglo musical que mezcla los rasgos estilísticos de los sones de Jalisco, Colima, Michoacán, Nayarit y Guerrero, en México.
La métrica es de 6/8 y utiliza birritmia vertical y horizontal. No acostumbra utilizar improvisaciones, como los sones originales del siglo XIX.

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La impronta musica

La impronta musical de Cuba se hizo sentir no sólo con el bolero sino con el son, el danzón, la guaracha, el mambo y el cha-cha-chá, entre otros. Los países de la cuenca del gran Caribe hispano asumieron pronto como propio el producto que Cuba les daba entre la década de los veinte y los treinta. Eso permitiría la fusión y el engrandecimiento del bolero con otros géneros musicales, dándose como resultados los subgéneros: bolero rítmico, bolero cha-cha-chá, bolero mambo, el bolero ranchero (mezcla de bolero y mariachi mexicano), el bolero son (creación de Miguel Matamoros), el bolero moruno (bolero con mezclas gitanas e hispánicas) e inclusive la bachata, una especie de bolero originado en los suburbios marginados de República Dominicana. la Cual Paso de ser basica a lo popular de hoy en dia wikipedia

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el origen del bolero

Aunque existen diversas teorías sobre el origen del bolero, alguna de las cuales señala a Europa como la cuna del género, la práctica señala a Cuba como la indudable creadora de este genero musical, que más tarde se extendió por Latinoamérica.

José Pepe Sánchez ‎.

El bolero típico cubano surge definitivamente alrededor de 1840. Se acepta que el primer bolero fue Tristezas, escrito por el cubano José Pepe Sánchez en Santiago de Cuba en 1886^{[cita requerida]}; aunque algunos difieren de la fecha, lo importante es que esa pieza dio origen formal al género y con el acompañamiento musical que denominamos «clásico» (las guitarras y la percusión). Así el bolero evolucionó de música de cantinas y peñas a música de serenatas. Según el musicólogo cubano Argeliers León, la música yucateca de México jugó un papel importante en el nacimiento del bolero cubano, por la mezcla de rasgueado y punteado, que se introdujo a la isla a finales del siglo XlX como un nuevo estilo de acompañamiento en la guitarra

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compases de la contradanza

Parece ser que las raíces del bolero están en los compases de la contradanza del siglo XVIII. También son identificables en el género algunos elementos rítmicos en formas de composición que aparecieron en el folclore cubano durante el siglo XIX como el danzón y la habanera. Precisamente esta última presenta una gran afinidad rítmica con el bolero.
En 1793 ya se reporta la existencia de los primeros cantantes que, como Javier Cunha y Nicolás Capouya (éste último no dejó composiciones escritas), componían canciones con ciertas similitudes con el bolero, tanto musicales como temáticas .

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Proceso compositivo

Lo particularmente impactante de los poemas sinfónicos de Liszt es el acercamiento a la forma musical.^[34] Como estructuras puramente musicales, los poemas sinfónicos no siguen una presentación y desarrollo estrictos de temas musicales como deberían tener bajo la forma sonata.^[34] En lugar de ello, siguen un patrón episódico aproximado, en el que los motivos —melodías recurrentes asociadas a un tema— son transformados temáticamente de una forma similar a la que hizo famosa posteriormente Richard Wagner.^[2] Las recapitulaciones, donde habitualmente se repiten los temas que después son combinados y contrastados en el desarrollo, son reducidas,^[35] mientras que las codas, en las que generalmente las piezas musicales giran hacia su conclusión, son ampliadas enormemente a un tamaño y envergadura que puede afectar al concepto del oyente sobre los temas.^[35] Los temas se deslizan hacia unos patrones de orden nuevos e inesperados,^[35] y tres —o cuatro— estructuras de movimiento convergen en una sola,^[35] en un proceso continuo de experimentación creativa. wikipedia


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qu'on entend sur la montagne.

Entre 1845 y 1847, el compositor francés César Franck escribió una pieza orquestal basada en el poema de Victor Hugo Ce qu'on entend sur la montagne. La obra exhibía las características de un poema sinfónico y algunos musicólogos, como Norman Demuth y Julien Tiersot, lo consideran como el primero del género, precediendo a las composiciones de Liszt.^{[25] [26]} Sin embargo, Franck no publicó ni interpretó su pieza; ni tampoco se dedicó a definir el género. La determinación de Liszt para explorar y promover el poema sinfónico hizo que se ganara el reconocimiento como inventor del género.^{[27] [28]}
Antes de acuñar el término «poema sinfónico», Liszt introdujo varias de estas nuevas obras orquestales como oberturas; de hecho, algunos de los poemas eran inicialmente oberturas o preludios para otras obras, sólo posteriormente fueron expandidas o reescritas sobrepasando los límites de la forma obertura.^[29] La primera versión de Tasso, Lamento e Trionfo, según indicó el propio compositor, era una obertura incidental para la obra de Johann Wolfgang von Goethe de 1790 Torquato Tasso, representada para el festival del centenario de Goethe en Weimar.^[30] La primera representación de Orpheus tuvo lugar en Weimar el 16 de febrero de 1854 como un preludio de la ópera de Christoph Willibald Gluck Orfeo y Eurídice.^[31] De la misma forma, Hamlet se estrenó en 1858 como un preludio para la tragedia homónima de William Shakespeare.^[32] Liszt usó el término «poema sinfónico» por primera vez en público durante un concierto en Weimar el 19 de abril de 1854 para referirse a Tasso. Cinco días después, usó el término «poèmes symphoniques» en una carta a Hans von Bülow para describir Les Préludes y Orpheus.[33 wikipedia

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Invención del poema sinfónico

Liszt deseaba expandir las obras de un único movimiento más allá de la forma de obertura de concierto.^[2] La música de las oberturas pretende inspirar a los espectadores a imaginarse escenas, imágenes o estados de ánimo; Liszt intentó combinar estas cualidades programáticas con la escala y complejidad normalmente reservadas para el movimiento de apertura de las sinfonías tradicionales.^[15] El movimiento de apertura, con su interacción de temas contrastantes bajo la forma sonata, se consideraba habitualmente la parte más importante de la sinfonía.^[16] Para alcanzar sus objetivos, necesitaba un método más flexible que la forma sonata para desarrollar temas musicales pero que debía preservar completamente la unidad musical de la composición.^{[17] [18]}
Liszt encontró su método a través de dos técnicas compositivas, que usó en sus poemas sinfónicos. La primera de ellas fue la forma cíclica, un procedimiento establecido por Beethoven en el que no sólo se unen ciertos movimientos sino que en realidad unos reflejan el contenido de los otros.^[19] Liszt llevó la técnica de Beethoven un paso más allá, combinando movimientos separados en una estructura cíclica de un único movimiento.^{[19] [20]} Muchas de las obras de madurez de Liszt siguen este patrón y Les Préludes es uno de los ejemplos mejor conocidos.^[20] La segunda fue la transformación temática, un tipo de variación en la que se cambia el tema, no a uno relacionado o subsidiario sino a algo nuevo, separado e independiente.^[20] La transformación temática, como la forma cíclica, no era una novedad, ya que había sido usada previamente por Mozart, Beethoven y Haydn.^[21] En el movimiento final de la Novena Sinfonía de Beethoven, el compositor había transformado el tema de la «Oda a la alegría» en una marcha turca.^[22] Weber y Berlioz también habían usado esta técnica y habían transformado temas, y Franz Schubert usó la transformación temática para unir movimientos en su Wanderer Fantasie («Fantasía del caminante»), una obra que tuvo una gran influencia en Liszt.^{[22] [23]} Sin embargo, el compositor húngaro perfeccionó la creación de estructuras formales considerablemente más largas a través de la transformación temática, no sólo en los poemas sinfónicos sino también en otras obras como su Segundo concierto para piano^[22] y su Sonata para piano en si menor.^[18] De hecho, cuando una obra debía ser abreviada, Liszt solía recortar secciones cuyo desarrollo musical era convencional y en cambio preservar las secciones con transformación temática wikipedia

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Franz Liszt,

Franz Liszt, un compositor húngaro, había intentado escribir su Sinfonía revolucionaria ya en 1830;^[10] sin embargo, al comienzo de su vida adulta centró su interés principalmente en su carrera como intérprete. En 1847, era famoso en Europa como un virtuoso pianista.^[12] La «Lisztomanía» recorría Europa, la carga emocional de sus recitales los convirtieron en «algo místico en lugar de ser eventos musicales serios» y la reacción de muchos de los oyentes podría ser descrita como histérica.^[13] El musicólogo Alan Walker afirma que «Liszt era un fenómeno natural y la gente estaba dominada por él. [...] Con su cautivadora personalidad y su larga melena de pelo suelto creó una puesta en escena asombrosa. Y había muchos testigos para declarar que su interpretación había elevado realmente el estado de ánimo de la audiencia hasta un nivel de éxtasis místico».^[13] Las demandas para realizar conciertos se «incrementaron exponencialmente» y «cada aparición pública provocaba la demanda de otra docena».^[12] Liszt deseaba componer música, como trabajos orquestales a gran escala, pero carecía de tiempo para hacerlo debido a sus viajes como virtuoso al piano.^[12] En septiembre de 1847, dio su último recital público como artista contratado y anunció su retirada del circuito de conciertos,^[14] instalándose en Weimar, donde había sido maestro de capilla honorífico en 1842, para trabajar en sus composiciones.^[12]
Weimar era una pequeña ciudad que tenía mucho atractivo para el compositor húngaro. Dos de los hombres de letras más importantes de Alemania, Johann Wolfgang von Goethe y Friedrich Schiller, habían vivido allí. Como uno de los centros culturales de Alemania, Weimar poseía un teatro y una orquesta, además de sus propios pintores, poetas y científicos. La Universidad de Jena también estaba cercana. Pero lo más importante era que en la ciudad vivía la mecenas de las artes y las ciencias María Pávlovna Románova, hermana del zar Nicolás I de Rusia. «Esta triple alianza de corte, teatro y academia era difícil de resistir».^[12] La ciudad también recibió su primera línea ferroviaria en 1848, lo que le daba a Liszt un acceso razonablemente rápido hacia el resto de Alemania wikipedia

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